Ένας συλλέκτης που σκεφτόταν σαν επιμελητής: Πανοραμική συλλογή Gerald Finebergs | Christie’s

Λίγες ιδιωτικές —και ακόμη και δημόσιες— συλλογές τέχνης είναι σε θέση να αφηγηθούν μια τόσο λεπτή ιστορία των τελευταίων 100 ετών ιστορίας της τέχνης. Αλλά με μια επιστημονική προσέγγιση και ακόρεστη περιέργεια, ο Gerald Fineberg μπόρεσε να φτιάξει ένα. Αυτόν τον Μάιο, ο οίκος Christie’s έχει την τιμή να παρουσιάσει τη συλλογή A Century of Artwork: The Gerald Fineberg Assortment. Η πλούσια και εκλεπτυσμένη συλλογή μοντέρνας, μεταπολεμικής και σύγχρονης τέχνης θα παρουσιαστεί ως αυτόνομη δημοπρασία δύο μερών κατά τη διάρκεια της σεζόν πωλήσεων 20/21 Century στη Νέα Υόρκη.

«Ο Τζέρι ήταν ένας συλλέκτης που σκεφτόταν σαν επιμελητής», λέει η Sara Friedlander, Αντιπρόεδρος Μεταπολεμικής & Σύγχρονης Τέχνης στον Christie’s. «Όταν αποκτούσε έργα, έλαβε υπόψη όχι μόνο αυτό που έλειπε από τη συλλογή του, αλλά και αυτό που μπορεί να μην ήξερε ακόμη. Και όταν μπήκε σε ένα νέο κίνημα ή καλλιτέχνη, πήγε πραγματικά βαθιά. Αυτό είναι που κάνει αυτή τη συλλογή τόσο μοναδική και ξεχωριστή ».

Ο επενδυτής ακινήτων με έδρα τη Βοστώνη δημιούργησε μια συλλογή που παρέχει μια ματιά πολυμέσων στα τελευταία 100 χρόνια καλλιτεχνικής παραγωγής. Αγκυρωμένη από δεξιοτέχνες όπως ο Πικάσο και ο Κάλντερ και ενσωματώνοντας κινήματα από το Γκουτάι μέχρι την Ποπ Αρτ, τον Σουρεαλισμό στην Arte Povera, την αφαίρεση στον Μινιμαλισμό, η συλλογή του κ. Fineberg χαρτογραφεί την εξέλιξη διαφορετικών καλλιτεχνικών φωνών τον περασμένο αιώνα.

Η γέννηση του μοντερνισμού

Μετά τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, μια πολιτιστική επανάσταση εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη, με την επιτομή του καλλιτεχνικού θύλακα του Μονπαρνάς στο Παρίσι. Ένας από τους καλλιτέχνες στο επίκεντρο αυτής της σεισμικής μετατόπισης ήταν ο Man Ray, πρωτοπόρος των κινημάτων του Σουρεαλισμού και του Νταντά, γνωστός για την πρωτοποριακή του προσέγγιση σε μια ποικιλία μέσων.

Το συχνό θέμα και η επί χρόνια σύντροφός του Κίκι ντε Μονπαρνάς ήταν ένα στοιχείο της μεταπολεμικής σκηνής. Σε όλη τη σχέση τους, θα εμφανιζόταν σε πολλές φωτογραφίες του καλλιτέχνη, συμπεριλαμβανομένης της περίφημης σουρεαλιστικής φωτογραφίας Le Violon d’Ingres (1924). Πορτρέτο της Κικής από το 1923 είναι ένα πολύ σπάνιο δείγμα πίνακα που εκτελείται από τον καλλιτέχνη της μούσας του.

«Η Kiki είναι αυτή η μούσα της νεωτερικότητας και σύμβολο όλων όσων συνέβαιναν στις αρχές του 20ού αιώνα στο Παρίσι», λέει ο Friedlander. «Η Κική είναι η αρχή όλων, πριν από 100 χρόνια».

Καθώς ο φασισμός εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη τη δεκαετία του 1930, οι καλλιτέχνες άρχισαν να μεταναστεύουν στις Ηνωμένες Πολιτείες, αλλάζοντας το τοπίο του κόσμου της τέχνης. Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, εμφανίστηκε ένα ξεκάθαρα αμερικανικό κίνημα: ο Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός.

Σε απάντηση στην αναταραχή των προηγούμενων δεκαετιών, οι Αφηρημένοι Εξπρεσιονιστές επικεντρώθηκαν στον αυθορμητισμό και τον αυτοσχεδιασμό. Ενώ η φήμη του κινήματος συχνά ορίζεται από τον μαχισμό, υπήρχε μια σημαντική και επιδραστική ομάδα γυναικών στον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό. Αυτοί οι καλλιτέχνες, γνωστοί συλλογικά ως Γυναίκες του Ένατου Δρόμου, κέρδισαν αναγνώριση κατά τη διάρκεια της ζωής τους, αλλά αγνοήθηκαν σε μεγάλο βαθμό από την ιστορία.

Ο κ. Fineberg συγκέντρωσε εκτενώς μέσα σε αυτήν την ομάδα, αποκτώντας έργα των Lee Krasner, Grace Hartigan, Joan Mitchell και Elaine de Kooning. Ακόμη και στην εποχή της, η Μίτσελ θεωρούνταν ένας από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες του κινήματος του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού. Χωρίς τίτλο (περίπου 1958), ζωγραφισμένη λίγο πριν φύγει από τη Νέα Υόρκη για το Παρίσι, καταδεικνύει τη χαρακτηριστική ενέργεια και την προσεκτική εξέταση του χώρου και του χρώματος που την έκαναν πρωταγωνιστή.

Ομοίως, μια ταυτόχρονη στιγμή που συνδέεται με τον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό γεννήθηκε από το Black Mountain Faculty, ένα κολέγιο φιλελεύθερων τεχνών στη Βόρεια Καρολίνα που μετράει ως πτυχιούχους τους Josef και Anni Albers, Robert Rauschenberg, Cy Twombly και Ruth Asawa. Η συλλογή Fineberg περιλαμβάνει δύο από τα μεγάλης κλίμακας γλυπτά από σύρμα για τα οποία ο Asawa είναι περισσότερο γνωστός.

Ούτε εικονιστικά ούτε αφηρημένα, αλλά θυμίζουν και τα δύο, τα γλυπτά του Asawa αψηφούν την ταξινόμηση ενώ προκαλούν τις απαλές καμπύλες του ανθρώπινου σώματος. «Η Asawa είναι σημαντική στη συλλογή Fineberg επειδή το έργο της δεν ταιριάζει απαραίτητα με την ιστορία της τέχνης του 20ου αιώνα, όπως ειπώθηκε προηγουμένως», λέει ο Michael Baptist, ειδικός στο τμήμα Μεταπολεμικής & Σύγχρονης Τέχνης. «Η συλλογή Fineberg είναι μοναδική και εντυπωσιακή στο ότι τα θέματά της και οι καλλιτέχνες της αποκτήθηκαν σε μια εποχή που δεν ήταν τόσο δημοφιλή όσο είναι τώρα».

Επανεξέταση των πιο διαρκών θεμάτων της ιστορίας της τέχνης

Η προνοητική συλλογή του κ. Fineberg έδειξε επίσης υποεκπροσωπούμενη θεματολογία, όπως στην Alice Neel Έγκυος Betty Homitsky (1968). Μέσα από μια σειρά επτά έγκυων γυμνών, ο Neel επανατοποθετεί την απεικόνιση του γυναικείου σώματος στον κανόνα της ιστορίας της τέχνης. Δεν απεικόνιζε απλώς τη σωματικότητα της εγκυμοσύνης στη μεταμόρφωση του σώματος αλλά και την ψυχολογική εξέλιξη της μέλλουσας μητέρας. Με αυτή τη σειρά, αυτό που ο Neel περιέγραψε κάποτε ως «ένα γεγονός της ζωής» που έχει «παραμεληθεί», εισήχθη σε ένα από τα πιο διαρκή θέματα της τέχνης.

Το Figuration είναι ένα επίμονο νήμα στη συλλογή Fineberg και ο Philip Guston κατέχει μια μοναδική θέση σε αυτό το είδος. Αν και ξεκίνησε ως αφηρημένος ζωγράφος, ο Guston αργότερα επέστρεψε στη ζωγραφική του τι έβλεπε. «Ο Guston ανησυχούσε ότι η αφηρημένη ζωγραφική δεν ήταν πλέον σχετική σε σχέση με τα πολιτικά δικαιώματα, τον πόλεμο του Βιετνάμ και τη γενική αναταραχή», λέει ο Baptist. «Είναι ένας σημαντικός καλλιτέχνης crossover γιατί, από πολλές απόψεις, ενσαρκώνει τη διχοτόμηση της δημιουργίας εικόνων στον 20ο αιώνα».

Στα τέλη της δεκαετίας του 1960, ο Guston απομακρύνθηκε από την αφαίρεση και τον πίνακα του 1969 Χωρίς τίτλο αντιπροσωπεύει ένα από τα πιο εμβληματικά έργα του: εικόνες Klansmen, ή αυτό που αποκαλούσε «κουκούλες». Αυτοί οι πίνακες, περίπλοκοι και ανησυχητικοί, δείχνουν καρτουνίστικες φιγούρες με λευκές κουκούλες σε φόντο κυρίως ροζ και κόκκινου. Όπως φαίνεται εδώ, οι φιγούρες βρίσκονται συχνά στη μέση μιας συζήτησης ή μιας δραστηριότητας, καθιστώντας τις παράλογες, υπογραμμίζοντας ταυτόχρονα την καθημερινή πραγματικότητα της προκατάληψης και του κακού.

Η εικόνα επαναπροσδιορίστηκε περαιτέρω από τον καλλιτέχνη Barkley Hendricks. Μέσα από τα πορτρέτα μαύρων Αμερικανών σε φυσικό μέγεθος, ο Χέντρικς αποτύπωσε την πολυπλοκότητα της ταυτότητας. Σε Στάνλεϋ (1971), ζωγραφισμένο ενώ ο καλλιτέχνης ήταν ακόμη φοιτητής στο Πανεπιστήμιο του Γέιλ, το προσωπικό ύφος και πνεύμα του θέματός του, του καλλιτέχνη Stanley Whitney, εκτίθεται πλήρως. Μέσω της απλής πράξης της ζωγραφικής, ο Hendricks αμφισβητούσε το establishment, ενσωματώνοντας τους έγχρωμους ανθρώπους στον καλλιτεχνικό κανόνα, ενώ ταυτόχρονα υπογράμμιζε τη μακροχρόνια απουσία τους.

Μια νέα αναχώρηση στη σύγχρονη τέχνη

Καθώς πλησίαζε ο εικοστός πρώτος αιώνας, καλλιτέχνες όπως ο John Wesley βασίστηκαν σε προηγούμενα στυλ για να δημιουργήσουν τη δική τους καλλιτεχνική γλώσσα. Σε Θαλασσογραφία με τη ζωφόρο των κοριτσιών (1985), ο Wesley επανεφευρίσκει το θέμα του γυμνού για άλλη μια φορά. Ο πίνακας απεικονίζει μια ζωφόρο γυναικών που περιστρέφονται σε διάφορες γωνίες, οι φιγούρες τους αποδίδονται με γραφικά χρώματα και σκιαγραφούνται σε γραμμές μαύρου. Τα κυματιστά αμπέλια κυριαρχούν στο προσκήνιο. Εδώ, ο Wesley γνέφει στις παραδόσεις της ιστορίας της τέχνης καθώς και στις ταυτόχρονες κινήσεις του μινιμαλισμού και της ποπ αρτ, ενημερώνοντας αυτά τα στυλ για να δημιουργήσει μια εντελώς μοναδική άποψη της φιγούρας.

Ο καλλιτέχνης Sturtevant θα αμφισβητούσε περαιτέρω τη σύμβαση, οικειοποιώντας τα καλλιτεχνικά αριστουργήματα για να αμφισβητήσει τη φύση της καλλιτεχνικής φωνής. Στο έργο του 1987 Johns ζωγραφική με δύο μπάλεςμια αναπαραγωγή του 1960 του Jasper Johns Ζωγραφική με δύο μπάλες, εκτίθεται η εννοιολογική πρακτική του Sturtevant. Ενώ οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής – γνωστοί συλλογικά ως Photos Technology – οικειοποιούνταν ξανά εικόνες από τη διαφήμιση και την ποπ κουλτούρα, ο Sturtevant προχώρησε ένα βήμα παραπέρα κάνοντας το ίδιο με τις καλλιτεχνικές εικόνες.

«Ο Sturtevant αντιπροσωπεύει μια αναχώρηση στη σύγχρονη τέχνη», λέει ο Baptist. «Τη δεκαετία του 1980 υπήρξε μια εκ νέου αφύπνιση και μια αναθεώρηση της ιδιοποίησης τέχνης από καλλιτέχνες όπως η Cindy Sherman και ο Richard Prince, αλλά ο Sturtevant ήταν ο προκάτοχός τους».

Καταρρίπτοντας τις αντιλήψεις για το τι συνιστά τέχνη, ο Sturtevant βοήθησε να εισαχθούν οι σύγχρονοι δημιουργοί του σήμερα, όπως ο Urs Fischer και ο Christopher Wool. Πίνακας του Wool του 1993 Χωρίς τίτλο (Γαμώτο αν δεν αντέχουν ένα αστείο), προβάλλει την εξερεύνηση της τομής κειμένου και εικόνας από τον καλλιτέχνη. Αποδομένος σε ένα σκληρό, γραφικό χέρι, ο πίνακας αντικατοπτρίζει τις σκηνές Punk και New Wave της δεκαετίας του 1990.

Από την Kiki de Montparnasse μέχρι τον Barkley Hendricks και τον Sturtevant, η συλλογή του Gerald Fineberg μας ταξιδεύει σε ένα εκτεταμένο ταξίδι από τη γέννηση του μοντερνισμού στους κορυφαίους καλλιτέχνες που εργάζονται σήμερα.